Cómo construir un árbol del Caos

Taller de modelismo

Cómo construir un árbol del Caos

Siempre que aparece un nuevo ejército de Warhammer, Mark Jones, creador de escenografía del Studio, construye una maqueta especialmente pensada para este. Enviamos a Steve Cumiskey a descubrir cómo había creado un árbol mutado para las Bestias del Caos. 

Cuando se empieza a trabajar en un nuevo ejército, Mark Jones, el creador de escenografía del Studio, colabora con los desarrolladores de juegos y los diseñadores de miniaturas con el fin de crear unos cuantos elementos de escenografía para el libro de ejército de Warhammer. Dichas creaciones son funda-mentales para crear la atmósfera ideal del libro. En el caso de las Bestias del Caos, construir una piedra de rebaño era inevitable, pero crear otros elementos de los bosques en los que habitan los Hombres Bestia permitía ampliar su trasfondo. Las pruebas anteriores de fortificaciones con forma de estrella del Caos no se ajustaban muy bien al aspecto salvaje de los Hombres Bestia. Esta construcción parecía demasiado complicada y costosa para ellos. Teníamos que encontrar algo que encajara mejor con su carácter.


 La solución llegó con un boceto que hizo Nuala Kennedy cuando se comenzaba a trabajar en el ejército. El boceto muestra un árbol corrupto encadenado a pilares de piedra, lleno de vida y rodeado por los esqueletos de sus víctimas. Esto guardaba relación con algunas de las ideas de trasfondo de los Hombres Bestia que se estaban discutiendo entonces. Se cree que los Hombres Bestia destruyeron piedras guía de los Elfos pensadas para contener la corrupción procedente de grandes fragmentos de piedra bruja. Al derribar las piedras guía, erigieron sus piedras de la manada o plantaron árboles justo encima de la piedra bruja. Eso encajaba perfecta-mente con el aspecto de cuento de hadas siniestro de los Hombres Bestia.

Inspirándose en ello, Mark se propuso construir un árbol así para el ejército del Studio. Después de considerar varios métodos para crear el árbol, Mark decidió hacerlo con hilo de alambre enrollado. El hilo de alambre es un buen material para crear miniaturas de gran detalle y, además, posee la ventaja de que se puede doblar y enrollar para conseguir la forma que se desee. Un árbol de alambre se hace, básicamente, enrollando varios alambres juntos y dejando que el tronco se abra por un extremo para formar las raíces mientras se separa y enrolla por el otro para formar las ramas. Toda la construcción se puede pegar luego sobre una base y retorcerla para crear formas de lo más siniestro. Mark decidió no construir uno sino tres árboles y enrollarlos juntos para crear un árbol monstruoso. Lo hizo así para que los primeros pasos de la construcción fueran más fáciles de realizar, ya que de este modo el alambre se podía retorcer solo con las manos.

MATERIALES NECESARIOS 

• Alambre de calibre fino (Mark usó alambre de 1,5 mm)
• Yeso ya mezclado o preparado
• Tablón de madera DM de 6 mm
• Masilla de poliestireno mezclada
• Cola epoxídica para metal
• Cola blanca
• Cadenita ligera (de una tienda de modelismo o de una joyería)
• Piedras pequeñas 

HERRAMIENTAS

• Alicates
• Sierra para madera 
• Papel de lija 

CÓMO CREAR LA CORTEZA 

Para crear la textura de la corteza, el alambre del árbol primero tuvo que recubrirse con una capa de material de relleno. El relleno consistía en yeso preparado, que se mezcló con cola blanca hasta que quedó una pasta cremosa y espesa. Se aplicó el yeso al árbol con un pincel primero en tres de las ramas comenzando por el tronco hasta llegar al final de las ramas. Cuando se acabó de recubrir la última de las ramas, la primera ya estaba lo bastante seca como para que Mark empezara a aplicarle la textura. La corteza se hizo creando unos surcos sobre la superficie del árbol con una lanceta para esculpir. No hacía falta aplicar la textura a las ramas hasta las puntas, ya que en los árboles reales suelen ser bastante lisas.

Si no sabes cómo aplicar la textura, haz una rama pequeña retorciendo varios alambres que te hayan sobrado y prueba cómo queda la textura en ella. Asegúrate de lavar regularmente tu pincel para no arruinarlo con el yeso.

La textura de las raíces y del tronco se aplicó en dos capas. La primera solo sirvió para recubrir el alambre y proporcionar una buena base sobre la que aplicar la segunda. Luego se aplicó esta segunda capa de la misma forma que la textura de las ramas y se dio el mismo aspecto de corteza. La textura del tronco sí que tenía un rasgo peculiar. Se le añadió el esbozo de un rostro para crear la impresión de que el árbol estaba casi vivo.


Se invirtió cierto esfuerzo en hacer que dicho efecto quedase muy sutil, ya que se suponía que aquello era un árbol y no algún tipo de criatura.

CÓMO TERMINAR LA BASE 

Después de que se secara la texturización del árbol, llegó el momento de pasar a la base. En el boceto original, el árbol estaba rodeado de pilares a los que estaba atado y de montones de huesos. En su maqueta, Mark creó un montículo debajo del árbol y lo decoró con los cráneos de los muertos. El montículo lo construyó a base de pedazos de poliestireno, sobre los cuales clavó los cráneos (de la caja de los esqueletos de plástico) y los pegó con cola. Luego, se usaron algunas gotas del yeso para hacer que la base fuera más irregular, como si fuera tierra de verdad. La base se terminó de texturizar con una capa de arena y gravilla que se enganchó con cola blanca.


Todo lo que quedaba por hacer era ponerle los pilares. Estos consistieron simplemente en varias piedras hoscas y escarpadas obtenidas de un jardín (las de pizarra son perfectas para ello). Cada una de las tres piedras se enrolló con un poco de cadena ligera y se pegaron todas sobre la base con pegamento epoxídico. Las cadenas se enrollaron en torno a las raíces y se fijaron con superglue.

CÓMO PINTAR EL ÁRBOL 

Para que la arena y la gravilla quedaran mejor pegadas (y también para crear una superficie más accidentada y terrosa), a la base se le aplicó una capa de pintura texturizada. La pintura tuvo que aplicarse con mucho cuidado para evitar recubrir los cráneos y las piedras. Después se le aplicó una capa de imprimación a toda la maqueta con Spray Negro Caos.

El propio árbol fue lo primero que se pintó. Se empezó por aplicarle un pincel seco a la corteza con Marrón Quemado. La corteza se fue aclarando poco a poco aplicándole pince-les secos de Carne Oscura y Marrón Bestial. La capa final de pintura consistió en una mezcla de Hueso Deslucido y Marrón Vómito.

A la tierra alrededor del árbol también se le aplicó un pincel seco, pero esta vez con varias capas de Marrón Bestial, Marrón Vómito y Hueso Deslucido. Los cráneos también se pintaron como la tierra, pero más tarde se resaltaron con una capa de Hueso Deslucido, seguida de varios detalles de Blanco Cráneo.

Las rocas también se pintaron para que encajaran en el estilo general de la miniatu-ra y para que dieran la sensación de estar a escala. Se volvió a usar el pincel seco para dar a las rocas un aspecto desgasta-do y se usó Gris Codex como capa base, seguido de Gris Piedra y Blanco Cráneo.

Por último, se pintaron las cadenas. Mark quería dar la impresión de que las cadenas están oxidadas por los efectos del clima y del tiempo. Logró crear este efecto aplicándoles un pincel seco con Piel de Alimaña diluida. Dejó que la pintura manchara un poco las rocas, igual que haría el metal al oxidarse tras años y años de lluvia. La miniatura se dio por terminada aplicando una capa de césped artificial sobre la base.

En conclusión, el árbol del Caos constituye un buen elemento central para el ejército de los Hombres Bestia del Studio. Un proyecto de modelismo como este es un gran reto, pero vale la pena para ponerlo sobre tu tablero de juego o incluso para servir como base de un diorama.

 "Nota extraída de White Dwarf 101 de Septiembre del 2003"

CLASE MAGISTRAL - OGRO DRAGÓN SHAGGOTH

CLASE  MAGISTRAL - OGRO DRAGÓN SHAGGOTH

Pintado por Darren Latham

Con la aparición de las miniaturas de las Bestias del Caos, el poder de la fuerza bruta vuelve a cernirse sobre el mundo de Warhammer. Tammy Huye estudió el proceso que siguió el pintor de 'Eavy Metal' Darren Latham para capturar plenamente la mortífera magnificencia de esta miniatura.

CÓMO PREPARAR LA MINIATURA 

La miniatura se montó pegándola a la base con pegamento. Luego se le aplicó una capa de imprimación con Spray Negro Caos. Las partes de la miniatura a las que no llegó el spray se pintaron con pintura Negro Caos diluida.

CÓMO PINTAR LA MINIATURA 

La piel de la parte inferior del cuerpo del shaggoth se pintó con una capa base de Verde Catachán
mezclado con la misma cantidad de Negro Caos. Luego se añadió Carne Putrefacta a la mezcla para
cada una de las sucesivas capas de luces.

Después, se añadió más Carne Putrefacta a la mezcla y se aplicó a la piel para resaltar la estructura de los músculos. A los recovecos se les aplicó un lavado adicional con un 50% de Tinta Marrón y un 50% de agua.

La parte inferior de la barriga y de la cola se siguió iluminando añadiendo más Carne Putrefacta a la mezcla. Se aplicó a los pliegues de la barriga un vitrificado con una mezcla a partes iguales de Tinta Roja, Tinta Púrpura y agua.

Se utilizó Carne Bronceada como capa base para la parte superior del cuerpo. Después, se le aplicó a la piel una mezcla compuesta por Carne Oscura y agua a partes iguales como lavado para crear las sombras en los recovecos.
Para aumentar las sombras, se le aplicó a la piel una mezcla a partes iguales de Tinta Marrón y agua. La piel se iluminó con otra capa de Carne Bronceada dejando que se viera el color más oscuro en los recovecos más profundos. Luego se aplicó Carne Enana encima para la siguiente capa de luces, seguida de una mezcla al 50% de Carne Enana y Carne Élfica. Para aplicar las luces finales, se usó Carne Élfica. Después, se usó Hueso Deslucido diluido para resaltar los detalles de mayor relieve y el rostro.
Se hizo una mezcla a partes iguales de Tinta Roja, Tinta Púrpura y agua para aplicar un vitrificado a la cara.
Al taparrabos se le aplicó una capa base de Rojo Costra. Para aplicar la primera capa de luces se usó Rojo Entrañas, seguido de una mezcla de Rojo Entrañas y Rojo Sangre. Más tarde, se aplicó otra capa de luces con Rojo Sangre mezclado al 50% con Carne Bronceada, seguido de unas luces de ese mismo color carne alrededor de los bordes. Luego se aplicaron unas luces finales de Carne Enana sobre los bordes de mayor relieve de la tela. Después, se aplicó una mezcla a partes iguales de Tinta Marrón, Tinta Roja y agua sobre la tela y un poco de Tinta Marrón alrededor de los tachones.

LOS DETALLES 

Al pelo se le aplicó una mezcla a partes iguales de Terracota y Marrón Quemado. A dicha mezcla se añadió luego un poco de Hueso Deslucido en cada una de las sucesivas capas de luces. Un lavado de Tinta Marrón mezclado con un poco de agua se aplicó como última capa de luces.
Las escamas se dejaron de color negro y se iluminaron con Negro Caos mezclado con un poco de Hueso Deslucido. En cada capa siguiente de luces se fue añadiendo un poco más de Hueso Deslucido a la mezcla.
Al filo del hacha y a los brazales se les aplicó una capa base de Metalizado Bólter. Después, se aplicaron una serie de motas con un pincel seco de Cota de Malla, seguido de unas motas de Plateado Mithril. Los bordes del filo se pintaron a base de líneas finas de Plateado Mithril. Más tarde se aplicó una mezcla a partes iguales de Tinta Marrón, Tinta Negra y agua por encima de todas las zonas metálicas.
A los rebordes dorados se les dio una capa base de Bronce Bruñido, seguida de unas luces con Oro Brillante. Luego se mezcló una cantidad idéntica de Oro Brillante y Plateado Mithril para las últimas luces. Después, se mezcló Tinta Carne con agua y se aplicó por todos los remaches, mientras que alrededor de los tachones se aplicó Tinta Marrón con mucho cuidado. Para acabar, se repitió la última capa de luces.

TOQUES FINALES 

Los cuernos, las garras y las uñas se pintaron con una mezcla al 50% de Tierra de Cementerio y Negro Caos aplicándola en líneas hacia la punta. Luego, se iluminaron estas líneas con Tierra de Cementerio y, después, con dos capas más de luces añadiendo Hueso Deslucido al Tierra de Cementerio. Se le aplicó otra capa de luces de Hueso Deslucido y, por último, se pintaron las puntas con Blanco Cráneo.
Las tiras de cuero se pintaron con una mezcla de un 30% de Negro Caos y un 70% de Marrón Bestial. A esa mezcla se le fue añadiendo Hueso Deslucido en cada una de las sucesivas capas de luces.

Los ojos se pintaron con Negro Caos y, luego, con Marrón Vómito. Después, se iluminaron con Hueso Deslucido y en medio se les pintó una pupila vertical con Negro Caos.
Como capa base de los diablillos del pelo se usó Terracota, al que se fue añadiendo un poco más de Marrón Vómito en cada capa de luces. El pelo se les pintó con un pincel seco de Gris Codex.


Por último, a las rocas sobre las que se yergue el shaggoth se les aplicó un pincel seco de Gris Codex y, luego, uno de Hueso Deslucido. Se pegó arena a la base con cola blanca y, cuando se secó, se le aplicó Tinta Negra por encima. A continuación, se le dio un pincel seco de Marrón Bubónico y, después, uno de Hueso Deslucido. Más tarde se pegaron a la roca y a la arena pequeños grupos de césped electrostático con super-glue. Para terminar, se pintó el borde de la peana con Tierra de Cementerio.

Los sobrenaturales shaggoths pueden vivir casi eternamente... y son un adversario mortífero. 

"Nota extraída de White Dwarf 101 de Septiembre del 2003"

SteamPunk

Que es el SteamPunk?

 

Esa es LA pregunta no? El SteamPunk surgió en la ciencia-ficción como una tendencia literaria, en sus principios era un subgénero de la ficción especulativa y la ciencia ficción, más específicamente como una variante del cyberpunk. 

Suele referirse al steampunk como retrofuturismo. Pero, hay que tener en cuenta que el retrofuturismo abarca otros subgéneros que no siguen los parámetros del steampunk. 

El termino se acuño cuando el escritor K. W. Jeter buscaba un término que describiera sus trabajos (Morlock Night, 1979 e Infernal Devices, 1987), junto a los de Tim Powers (The Anubis Gates, 1983) y James Blaylock (Homunculus, 1986). Todas obras que sucedían en plena rra Victoriana e imitaban las convenciones de los trabajos de H. G. Wells.  Se dice que quedaron en un bar y le pusieron un nombre a esta nueva tendencia literaria, pero no fue hasta una revista Locus de abril de 1987 que Jeter dio a conocer este nuevo nombre. Como él dice, el nombre fue puesto como "media broma de palabras" respecto al cyberpunk, pues este nuevo retrofuturismo fantástico se basa en la II Revolución Industrial (1850-1910), ademas el añadido -punk no se refiere en su inicio a una fusión estética, sino al sentimiento de crítica activa a la sociedad, del mismo modo que el Cyberpunk, y en su inicio en el imperio más grande de su época, el victoriano. De ahí el "steam", inspirado por una de las tecnologías más revolucionarias de dicha revolución: la de vapor.

Hasta aproximadamente el 2007 quedo en un plano más alternativo  apareciendo de tanto en tanto algún cómic (La Liga de los Hombres Extraordinarios, 1999), alguna película como La Ciudad de los niños perdidos, o Wild Wild West, o en la literatura (la Trilogía Steampunk de Di Filippo, 1995).
Desde el 2007 se comenzaron a popularizar mas y mas obras Steampunk visuales y plásticas a través de toda la web. Aparecieron webs especializadas, blogs y foros internacional, y desde entonces ha crecido espectacularmente en cuanto a obras y seguidores en todo el mundo.
Observamos desde entonces un crecimiento en la literatura, el cine y todo el panorama audiovisual, en escultura y la unificación de tecnología moderna y antigua (actitud Maker), en joyería, en moda, en música, en cómic, en videojuego, en la creación comunidades en muchas partes del mundo de gente apasionada por el Steampunk tanto a nivel visual como a nivel de una actitud frente al presente y la tecnología, genera tendencias que inspiran la alta costura, la música comercial en sus videoclips y todo fan de la ciencia-ficción y la fantasía. 

Ademas el SteamPunk a inspirado nuevos retrofuturismos, como el Dieselpunk. Y genera todo un debate, aunque aun minoritario, sobre ética en tecnología y su relación con la sociedad, genera reflexiones, interés por el pasado, e incluso apuestas hacia un plano político-revolución-cultural.

Pero… ¿por qué ha tomado tanta fuerza en estos últimos años? ¿Qué podríamos querer de maquinarias tan primitivas y pesadas? Por un lado, claro, está el romanticismo de la evocación, de lo que podría haber sido. Pero las razones del movimiento son mucho más profundas.

Se imagina tecnología que nunca fue y que fue imaginada o podría haberlo sido, y explora una tecnología más humana, más abierta (encantan los mecanismos al descubierto como nueva belleza).

Por un lado, el steampunk es un rechazo ante las estéticas actuales. Estériles, frías e impersonales. Un discurso contra la Obsolescencia Planeada (la decisión de un fabricante de desarrollar un producto sabiendo que se volverá obsoleto). Una posición frente a la naturaleza delicada y críptica de la Era Digital. Es un movimiento plenamente cibercultural, que refleja inquietudes sobre nuestra tecnología fría y (post)industrial, de masas, del mundo y la sociedad que se globaliza a través de los medios, como internet, sin tiempo a reflexión, aunque sea a través de lo visual, o de la actitud "hágalo usted mismo", la creación artística y de la transformación creativa.

Pero también habla en contra del conformismo. Es cierto, una máquina steampunk no es cómoda, ni eficiente. Pero eso, para los seguidores del género, es un punto a favor. La tecnología nos ha hecho dependientes, nos ha brindado confort y hemos olvidado que las penurias, las incomodidades, que también forman parte del camino. Engrasarnos y escuchar un motor tronar como nunca ha tronado, ya no forma parte de nuestras vidas. Revolcarnos, ajustar tuercas y sentirnos orgullosos de nuestras creaciones mecánicas es cosa del pasado. Hoy, todo es digital, todo es código, todo es virtual, todo es… efímero.